在視覺甬道不斷抽換的靈魂－「第七屆台灣國際錄像藝術展－ANIMA阿尼瑪」

2020-11-23

【特約撰述 / 郎亞玲】

歐美自60年代起，伴隨著第三次工業革命的科技發明，繼電力、電話、電報、電腦與自動化的發明進展；電視普遍進入各個家庭，開啟了「影像」成為日常生活「在場」的一頁。1967年，Sony短片錄影機的發明，帶動藝術家親力親為地嘗試拍錄的活動和創作，使「錄像藝術」後來居上，繼動力藝術、網路藝術、躍升為「新媒體」藝術的第三主流。「錄像藝術」迄今方興未艾，挑戰當代觀念藝術、實驗電影、紀錄片、裝置藝術與行動藝術的邊界，並揉合多種表現形式和技術，游離、辯證於「真實」與「虛構」；「再現」與「仿擬」；「紀錄」與「排演」之間。

對於從事錄像藝術的藝術家而言，他所專注的課題有二：一是外在世界是如何被「科技」再現?以及科技如何影響改變人們的觀看方式?他可以是客觀的觀察者、研究者，也可能是主觀經驗的敘述者、紀錄者；更有可能的是，他選擇了所有可能中的不可能，運用各種影像技術創造或導向影像全新的視野。相對而言，觀賞者無法停滯於傳統美學欣賞的方式，只是被動接收作品的全體；此因影像藝術的本質，即蘊含了對自然與寫實影像攝錄的質疑、反動、與顛覆，做為一精神與社會的複合體，探究影像技術如何影響、干擾、形塑人的精神層面（感官、知覺、思維、心性等），創作者必須長期反覆關注、實驗、模擬、操作，且將觀者反應收攝於作品中考量，而非令其自外於觀賞對象與過程。

這就是「第七屆台灣國際錄像藝術展－ANIMA阿尼瑪」，特別引人入勝之處。先是場地的選擇，每年固定的場地「鳳甲美術館」，運用近年最夯的「沉浸式劇場」概念，營造出全然闇黑的觀看環境，令參觀者輕易切斷對外的關聯和思緒，並融入其中。其二的空總臺灣當代文化實驗場(C-LAB)，空間保存老建築斑駁、蕭條、冷峻意象，獨立房間自由穿梭，如進入不同之視覺甬道，在意識與潛意識、感覺與思維、幻想與夢境中切換、遊走、匍匐、泅泳、浮沉。

此外，策展人林怡華、C-LAB策展人游崴標舉的主題「ANIMA阿尼瑪」，在拉丁文裡意指「生命」或「靈魂」，加上強調以「催眠作為一種觀影儀式」，明確地希望經由環境的安排、影像、聲音、語言、燈光、音樂的引導，讓觀眾脫離慣性觀看方式，以影像的「催眠性」，引領感官與身體有全新觀影體驗，繼而召喚生命與靈魂內在的深沉共鳴。

此次展覽除邀請製作之外，也辦理國際徵件，從700多件作品挑出26件展出與放映，精彩可期。其中表現手法各異，如鳳甲美術館展出的「金蝸牛的誕生」，泰籍藝術家朱拉亞農．西里彭以戲謔、魔幻、幽默、諷刺的手法，加上模擬20年代默片形式，拍攝一段結合歷史背景與民間傳說的短片。在放映空間裝置擺設成舒適仿古的獨立空間；讓觀者輕鬆、悠閒地看片。殊不知，此空間複製了影片觀賞的「偷窺」心理與行為，專注於觀看影片的人，渾然不知自己也成為窗後另一群人的窺視對象。而加拿大籍的史丹．道格拉斯的雙頻道錄像作品「分身」，乍看有如好萊塢科幻電影，但兩個正反螢幕要呈現的卻是在太空中因操作謬誤，造成平行時空與主體/分身的鏡像，兩兩對照之下，截然不同的遭遇與對待，乃直接指向了影像本質的真實/虛構的辯證，而人的主體又如何面對這曖昧不明的尷尬處境?

空總臺灣當代文化實驗場(C-LAB)，則有台灣藝術家吳梓安充滿細膩、幻想、詩意拼貼成的影像「少女的祈禱」，死亡的主題透過片段影像、聲音、劇場式的陳設，感受異常喧鬧、繽紛，華麗，時光已逝、青春不朽，瞬間的耽溺讓記憶縫合。中國籍陶輝作品「Double Talk」，則以批判性的雙頻道錄像，反思資本主義下媒體運作的荒謬性，以韓國擅長的娛樂產業的「偶像」文化為對象，讓產業鏈曖昧不明、虛實難辨的多重身份與結構無所遁形。

雖然錄像藝術至今仍與實驗電影、裝置藝術範疇多有重疊，但在台灣能見到以「錄像藝術」為核心主題的展覽，實屬不易。期待每年都能見到各國代表藝術家的大作，也同時讓台灣藝術家同場競藝，看見影像藝術在台灣的深耕與開拓。